Раннехристианское искусство Древнего Рима

Оглавление

Введение

Глава 1. Характеристика раннехристианского искусства древнего Рима

1.1 Исторические черты появления раннехристианского искусства

1.2 Образ Церкви и живописное убранство стен

Глава 2. Основные направления раннехристианского искусства древнего Рима

2.1 Архитектура

2.2 Скульптура

2.3 Живопись

2.4 Литература

Заключение

Список литературы

Введение

Раннехристианское искусство, искусство первых христиан (2-5 вв.) делится на два этапа: до 313 г., когда христианство не было в Римской империи официально признанной религией, и после, когда император Константин I Великий специальным эдиктом разрешил его свободное исповедание.

Раннехристианское искусство отличает от искусства зрелого Средневековья тесная связь с позднеантичной традицией, из которой оно берёт многие мотивы, формы и художественные приёмы. Вместе с тем начинаются поиски новой образности, соответствующей христианскому вероучению, новым идеям и ценностям. Начинает разрабатываться иконография изображения святых персонажей и библейских сцен, которая ляжет в основу средневекового искусства.

Искусство первого периода представлено, прежде всего, живописью римских катакомб - сложной системы подземных коридоров, соединявших отдельные комнаты-кубикулы. Здесь первые христиане, гонимые римскими императорами, тайно собирались для отправления религиозного культа, решения дел общины, здесь они хоронили умерших собратьев. На стенах катакомб появляются изображения Христа, Марии, святых, однако они немногочисленны, так как первые христиане опасались уподобиться язычникам, поклонявшимся идолам. Художники ищут новые средства выразительности, наполняют старые образы новым содержанием, основываясь на текстах Священного Писания. Уже в этот период проявляется характерное для Средневековья мышление символами, аллегориями, стремление видеть за реальной формой, цветом, явлением сокровенный смысл, ведущий к познанию высших истин, помогающих приблизиться к Богу.

Наиболее часто встречаются мотивы виноградной лозы и "Доброго пастыря" (пастуха), связанные с притчами, рассказанными Христом, и напоминающие о Его миссии. Люди, животные и птицы, вкушающие ягоды с виноградных лоз, пьющие воду из чаши или источника, обозначают души, приобщающиеся ко Христу и бессмертию; овцы - кротких праведников или 12 апостолов и т.д. Христос иногда предстаёт в образе Аполлона - языческого бога Солнца, поскольку Его называют Новым солнцем, и Он пришёл на смену старым божествам. Лёгкие фигуры словно парят на гладком светлом фоне. В страстном самозабвении показаны молящиеся - оранты. Их состояние подчёркнуто устремлённым к небу взглядом и жестом воздетых, намеренно увеличенных кистей рук.

После официального признания христианства развивается архитектура, начинается широкое строительство церквей (базилик и центрических сооружений). Зодчие подчёркивали не мощь архитектурных форм, а обширное пространство внутри храма. Архитектурные детали стали более хрупкими. Стремление облегчить формы, лишить их материальности будут характерны и для средневекового искусства. В целях ускорения строительства церкви возводили из дешёвых материалов - кирпича и дерева, но непременно украшали фресками и мозаиками. Стены, украшенные мозаиками, зрительно казались легче, а мерцающие стеклянные кубики смальты, из которых набирали мозаические композиции, и сияние золотых фонов преображали пространство, делая его чудесным.

Манера исполнения мозаик развивалась от живописной свободы в сторону большей строгости и графичности. На смену мягким оттенкам и мерцанию цвета приходили простые сочетания крупных цветовых пятен и строгих линий. Раннехристианское искусство представлено также скульптурой и книжной миниатюрой. Круглая скульптура в силу своей телесности, реальной объёмности не подходила для выражения духовных устремлений и вскоре утратила популярность. Создавались, прежде всего, рельефы мраморных саркофагов с библейскими сценами и христианской символикой.

Объект исследования - древний Рим.

Предмет исследования - раннехристианское искусство.

Цель исследования - изучить особенности раннехристианского искусства.

Задачи исследования:

1. Рассмотреть исторические черты появления раннехристианского искусства.

2. Рассмотреть образ Церкви и живописное убранство стен.

3. Проанализировать основные направления раннехристианского искусства древнего Рима: архитектуру, скульптуру, живопись и литературу.

Структура работы: работа состоит из введения, двух глав, заключения и списка литературы.

Теоретической основой данной работы послужили работы таких авторов, как: Чубова А.П., Иванова А.П., Соколов Г.И., В.Г. Власов и других.

Глава 1. Характеристика раннехристианского искусства древнего Рима

 

1.1 Исторические черты появления раннехристианского искусства

Мостом между искусством собственно средневековья и античным явилось так называемое искусство раннехристианское, возникшее в период, когда христианство нелегально существовало в языческой Римской империи. Его начали изучать еще в эпоху Высокого Возрождения, когда в XVI в. случайно обнаружили подземные христианские кладбища II - IV вв., которые служили также убежищем и местом сбора христианской общины (их стали условно называть катакомбами, потому что одно из найденных кладбищ находилось в местности Катакумб).

Катакомбы представляли собой галереи и прямоугольные помещения - кубикулы. Последние сохранили фрагменты фресок и мраморные, украшенные рельефами саркофаги. В росписях катакомб использовались античные мотивы, но уже в соответствии с духом новой религии. Это была система иносказаний и символов, связанная на первых порах лишь с поминальным культом. Птицы и животные, по христианским понятиям, населяли райские поля Элизиума. Орфей отождествлялся с библейским царем Давидом-псалмопевцем, Персей - со св. Георгием, Одиссей, устоявший перед сиренами, - с христианином, стойким перед мирскими соблазнами.

Так слагалась роспись, похожая на тайнопись, понятная лишь посвященному. В Евангелии Бог сравнивается с виноградарем, Христос уподобляется пастырю, а его ученики - пастве, и на стенах подземных камер появляются изображения сцен сбора винограда или фигура юноши-пастуха с ягненком на плече - добрый пастырь, наиболее распространенное в раннехристианском искусстве олицетворение Христа.

Особенно часты мотивы чудесных спасений и исцелений в соответствии с библейскими и евангельскими сюжетами, в которых усматривали символ спасения души. Душа усопшего изображалась в виде оранты - женщины в молитвенной позе с воздетыми руками. Круг сюжетов был ограничен, не имел связного повествования. Иной мир изображения, иное мышление требовали иного художественного языка.

Фигуры еще объемны, как в поздней античности, но в орантах, например, символизирующих победу духа над плотью, все более подчеркивается уплощенный силуэт, рисунок намечается контуром, тело исчезает под хитоном, главное внимание обращается на лицо и большие глаза, в фигуре теряется ощущение вещественности, осязаемости. Так, от образов наивно-искренних, чистых, робких по исполнению, но полных, по выражению одного исследователя, "трепетности перед таинствами веры", раннехристианское искусство переходит к образам напряженно-экстатическим, в которых форма подвергается дематериализации во имя усиления духовного начала. [1]

С признанием христианства (313г., эдикт Константина), с превращением его в государственную религию появляются и первые христианские храмы - базилики (название произошло от дома архонта-базилевса в Афинах). Базилика - вытянутое по оси восток - запад прямоугольное здание с входом с западной стороны и алтарным помещением с восточной и разделенное рядом колонн на три или пять частей, именуемых нефами или кораблями (ведь церковь - корабль, спасающий души). Перед западной частью храма иногда размещался атрий (атриум) - двор с водоемом. Войдя в храм, прихожане попадали сначала в поперечное по отношению к нефам помещение - наргекс, первоначально предназначавшийся для "оглашенных" - тех, кто еще готовился принять христианство. В самой базилике ритм колонн направлял взор верующего к алтарю, к апсиде, где размещалась алтарная часть, ориентированная всегда на восток, на "гроб Господень". Центральный неф был выше боковых. Он завершался триумфальной аркой перед главным алтарем и освещался окнами, расположенными близко к кровле.

Первые христианские базилики имели плоское перекрытие с двускатной крышей в центре и односкатными над боковыми нефами. С развитием богослужения по центру храма ближе к алтарной части появился поперечный неф - трансепт. Возле церкви строилась колокольня. Епископские церкви - соборы имели здания для крещения - баптистерии, особенно необходимые в первые века официальной новой религии; позже стали ставить купель просто в церкви.

Примером древних базилик может служить не сохранившаяся до нашего времени, но, к счастью, обмеренная при сносе базилика св. Петра в Риме (около 330 г), на месте которой стоит сейчас знаменитый собор св. Петра; сохранившаяся в основной своей части церковь Санта Мария Маджоре в Риме (IV в., затем 432 - 440 гг.); церковь св. Павла - Сан Паоло фуори ле мура, построенная при Константине, но перестроенная после 386 г. и восстановленная после пожара 1823 г.; церковь Сан Лоренцо фуори ле мура, представляющая сейчас соединение двух храмов, IV и V вв.

Помимо базилик существовал другой вид храмов - центрического типа: круглые (ротонды), многоугольные или крестообразные в плане, например церковь Сан Стефано ротондо в Риме (конец V в). По типу ротонды сооружались мавзолеи: крестообразный в плане мавзолей Галлы Плацидии в Равенне (V в), мавзолей св. Констанцы в Риме (первая половина IV в). [2]

Раннехристианские церкви были скромны по наружному оформлению, но славились роскошью внутреннего убранства. Стройные колонны ионического или коринфского ордера (подчас перенесенные во фрагментах прямо из языческих храмов); наборные полы из цветного камня; мозаика, размещенная уже не на полу, как было принято в античные времена, а в простенках между окнами и в апсиде и составленная уже не из естественных камней, а из стеклянной смальты, характерной своей блестящей и мерцающей поверхностью, золотом и создающей мистическое впечатление; драгоценная утварь, златотканые облачения священников - все сливалось в единый образ роскоши и великолепия [мозаика уже упоминавшегося мавзолея сестры римского императора и жены вестготского короля Галлы Плацидии (ок.440), мозаики церкви Сан-Витале (547) и церкви Сан-Аполлинаре Нуово (504) в Равенне].

Примером подражания римскому зодчеству может служить гробница остготского короля Теодориха (493 - 526), находящаяся в Равенне. Ее купол сделан из гигантского выдолбленного камня, ибо расчеты купольной конструкции были к тому времени утрачены.

Росписи христианских храмов отличались от живописи катакомб не только техникой, но главным образом содержанием. Незатейливую символику тайных убежищ христиан вытеснили сцены из христианского Писания и житий святых, изображение Христа на троне - властителя мира, Христа-учителя в окружении учеников, апостолов и евангелистов. Так, на фоне архитектурного иерусалимского пейзажа изображен восседающий на троне Христос, проповедующий апостолам, в мозаике апсиды церкви Санта Пуденциана в Риме (конец IV - начало V в). Фигуры еще объемны и материальны, позы естественны. Такие сцены прославляют Христа и ветхозаветных царей, как в рельефах колонн и триумфальных арок прославлялись римские императоры.

Но со временем объемные фигуры сменяются более легкими и невесомыми, как в мозаиках триумфальной арки церкви Санта Мария Маджоре. Позы становятся статичнее, живописное пятно уступает первенствующую роль линии. Вытянутые фигуры напоминают как бы раппорт орнамента. Наконец, со временем появляется и разномасштабность фигур, композиция теряет глубину, сохраняя только два плана, как в мозаике "Вознесение Христа" в апсиде церкви Козьмы и Дамиана в Риме (526 - 530). Кусты и две пальмы являются в этой сцене, по сути, не столько пейзажем, сколько символом места действия. Взгляды персонажей становятся все суровее, они обращены прямо на зрителя и рассчитаны на то, чтобы прихожанин почувствовал все ничтожество и малость своего земного бытия. [3]

Роль книги в христианском богослужении вызвала к жизни еще один вид живописи - книжную иллюстрацию, книжную миниатюру. Появлению иллюстрации способствовало возникновение сброшюрованного кодекса из телячьей кожи - пергамена, лучше воспринимающего краску, чем древний папирус (II-IV вв.). Главным заказчиком богато иллюстрированной богослужебной книги становится церковь. Книгу украшают изображения евангелистов, сюжетные иллюстрации из Евангелия, золотые и серебряные буквы на пурпурном фоне придают ей великолепие (Венская Книга Бытия, V - VI вв). Искусство книги и миниатюры было не единственным художественным ремеслом в монастырях - этих главных очагах раннехристианского искусства. Из их стен выходили замечательные образцы резьбы по слоновой кости, разнообразнейшие ювелирные изделия. С падением Западной Римской империи завершается история раннехристианского искусства и начинается новый этап - искусства дороманского.

1.2 Образ Церкви и живописное убранство стен

В катакомбных росписях образу Церкви уделено особое внимание. Здесь многократно встречается фигура Оранты-Церкви, которая иногда может связываться с образом Богоматери. Существенной особенностью является то, что Орант (а) (женская или мужская фигура с воздетыми руками) могла украшать, в основном, стены, хотя не исключалась возможность ее нахождения среди композиций плафона. Ее промежуточное положение в иерархии росписей может быть охарактеризовано как второе место после Христа и более высшее расположение по отношению к сюжетам, не связанным с Тайной Вечерей.

Образ Богоматери в раннехристианских росписях зачастую мог одновременно являться аллегорией Церкви на основании книги "Песни Песней" Царя Соломона, где упоминание о Женихе и Невесте истолковывалось в смысле Господа и Его Церкви. Подобно Христу, Богоматерь могла изображаться как в собственном виде (сцена поклонения волхвов, Богоматерь Оранта), так и в виде ветхозаветных пророчеств о Ней. Например, в росписях II века катакомб Прискиллы можно видеть иллюстрацию слов пророка Исайи "Се, Дева во чреве приимет и родит Сына, и нарекут имя Ему: Еммануил, что значит: с нами Бог". Известны случаи изображения Богородицы через абстрактный образ с символическим атрибутом. Например, среди росписей катакомб Прискиллы второй половины III века выделяется образ римлянки, кормящей грудью свое дитя (Wilpert 1903). Ничто здесь не говорит о достоинстве Пречистой Девы, кроме одного: молодая мать представлена здесь без головного убора, что указывает на ее девство.

"Поклонению волхвов" в катакомбных росписях может быть приписано евхаристическое значение, поскольку данная композиция могла изображаться непосредственно в алтарной нише. Евхаристическое толкование допускает понимание образа Богоматери как алтарного престола, на котором находится Сам Христос. Волхвы могут быть уподоблены священникам в алтаре.

Алтарные росписи. Обратимся к алтарным росписям катакомбной Церкви. Над гробницами подземных кубикул можно видеть полуциркульные ниши, пригодные для совершения богослужений. Росписи этих ниш предполагается рассмотреть ниже. Кроме Богородичных и экклесиологических изображений-аллегорий, здесь могли быть расположены сюжеты с преобладанием евхаристической семантики. Главные полуциркульные поля ниши могла занимать композиция Тайной вечери, Чуда преумножения хлебов или Брака в Кане Галилейской, символическая близость которых подчеркивается сходством иконографии. Несколько реже над престолом могла быть помещена роспись с той же иконографией, но с еще одним - третьим - значением: пир в Царствии Небесном. Примером может служить история страданий мученицы Вибии и ее загробного блаженства, представленная над ее гробницей.

Личности Христа в росписях алтарных ниш уделяется особое внимание. Здесь можно видеть Его изображение с предстоящими апостолами. Христос как Добрый Пастырь реже появляется в алтаре, чем в плафоне. Однако известны случаи изображения части притчи о Добром Пастыре (овца и волки) под видом истории Сусанны. Здесь невинная христианская душа агнец-Сусанна подвергается нападению волков-нечестивых старцев, которые символизируют лжеучителей. Тема стада и его пастыря оказывается одной из ключевых тем раннехристианского искусства. Начало 10 главы Евангелия от Иоанна, посвященные этой притче, имело большое значение для толкования раннехристианских живописных программ вплоть до 6 в. [4]

Поверхности по сторонам ниши могли быть украшены такими композициями как "Воскрешение Лазаря" и "Источение воды Моисеем". В последнем случае скала символизирует краеугольный камень - Христа, вода - река Жизни, истекающая от ребр Спасителя. "Точащий краесекомый повелением Твоим, твердый ссаша камень Израильстии людие. Камень же Ты еси, Христе, и жизнь, на немже утвердися Церковь, зовущая: осанна, благословен еси Грядый". "Живоначальная Твоя ребра, яко из Едема источник источающая, Церковь Твою, Христе, яко словесный напаяет рай, отсюду разделяяся яко в начала, в четыри Евангелиа, мир напаяя, тварь веселя, и языки верно научая покланятися Царствию Твоему" ("Блаженни", глас 4, Великий Пяток на Утрени).

Приведенные богослужебные тексты Страстной Седмицы дают возможность глубже понять значение образа реки Жизни и ее синонимов в изобразительном искусстве (четырех райских рек; Иордана; воды, источаемой из скалы и т.д.). Все эти образы в раннехристианской живописи имеют по преимуществу алтарную принадлежность. Для катакомбного искусства наибольшее распространение получила композиция с Моисеем. В храмовых мозаиках позднейшего времени этот сюжет практически не используется, хотя пророк и боговидец Моисей продолжает по традиции изображаться в алтаре (Сант Аполлинаре ин Классе, Сан Витале в Равенне).

Как пишет Кирилл Александрийский "Детоводительство через премудрого Моисея прообразовало древним воспитание через закон, приводящий ко Христу… Он (то есть Христос) некоторым образом равен Моисею по человечеству и есть второй в домостроительстве". Таким образом, в раннехристианский период сравнение Христа с Моисеем было одной из важных идей, показывающих преемственность между Ветхим и Новым Заветами. Об этом же говорит первомученик Стефан в Деяниях Апостолов. Композиция "Источение воды Моисеем" может быть истолкована в значении не только крещальном, но евхаристическом.

Подобна ей по смыслу композиция "Воскрешение Лазаря". Интересно, что даже иконографически они чрезвычайно похожи. "Воскрешение Лазаря" не только говорит о воскресении мертвых в конце времен и является прообразом Воскресения Спасителя, она связана с обновлением человека под действием крещения или причащения.

"Входные" композиции. Данная пара сюжетов, о которой говорилось выше, наиболее часто маркирует вход в помещениях катакомб. Однако, несмотря на сходство изобразительного материала, композиции входа получают некоторые дополнительные смысловые оттенки. Если в росписях алтарных ниш главное внимание уделено евхаристической семантике, то в росписях входа - крещальной. Смысл катакомбной живописи всегда раскрывается из контекста, и каждая композиция имеет значение не сама по себе, а лишь по отношению к тем сюжетам, которые представлены рядом. Если рядом с "Источением воды" изображена "Тайная вечеря", - перед нами комплекс изображений, связанных с Литургией.

У входа, как правило, сюжеты с Моисеем и Лазарем сопровождались исцелениями расслабленного и кровоточивой, что вводит в сферу толкования крещальную символику. Одно из евангельских исцелений расслабленных происходит у купели Вифезда, в которую сходил ангел, возмущая воду, и те, кто вступал в купель по возмущении воды, исцелялись. По сей день евангельское чтение о купели Вифезда используется в чине освящения воды.

Таким образом исцеление расслабленного тесно связано с темой крещения. Исцеление кровоточивой как вообще всякое исцеление Господом телесной немощи, может быть истолковано в значении и духовного исцеления и обновления, то есть крещения. Смысл такого художественного предпочтения понятен: человек входит в Церковь посредством крещения, поэтому и вход в храм зачастую связан с этой темой. [5]

Если рассматривать росписи церковных помещений в целом, можно отметить, что другие твердые закономерности для их украшения, кроме уже описанных (потолок, алтарная ниша, вход), трудно установить. Схемы, построенные при помощи описания Покровского, помогают представить систему росписей двух комнат катакомб Каллиста в целом. Композиции с евхаристической семантикой расположены здесь ближе к алтарю, а крещальные - ко входу. Кроме этого, можно заметить, что изображения, связанные с темой корабля (символ жизненного пути христианина, его вступления в Церковь как залога будущего воскресения) расположены слева от входа: история Ионы, кораблекрушение и орант (история путешествия апостола Павла). Справа можно видеть сюжеты, связанные со смертью и воскресением (фигура гробокопателя, "Воскрешение Лазаря"). В двух описанных помещениях, видимо, изображения следует читать по часовой стрелке: они охватывают события с момента духовного рождения человека до его воскресения на Страшном суде.

Для понимания традиционной схемы оформления сакрального пространства необходимо рассмотреть не только росписи храмов, но также декоративное убранство раннехристианских саркофагов. Саркофаги, украшенные скульптурой, в отличие от расписных плит катакомб, представляют собой завершенное художественное пространство. Интересно, что не только набор сюжетов, но и порядок их распределения напоминает в рельефах саркофагов порядок храмовой декорации. Саркофаги украшались двухъярусным или одноярусным фризом изображений, где верхний регистр или центр близок по семантике росписям алтаря или потолка раннехристианского храма. Так на саркофаге 315 г. из Ватиканского музея справа от центра в верхнем фризе изображений можно видеть чудо в Кане и преумножение хлебов, то есть сюжеты, сопоставимые с росписями алтарной стены. В нижнем фризе этого же рельефа в центре находится образ пророка Даниила во рву львином.

Та же иконография обычно использовалась в живописи потолков (центральный медальон) - плафон в катакомбах Люцины, II в. Традиционными композициями для центральной части саркофагов оказываются различные изображения с участием Петра и Павла, такие, например, как "Traditio legis" ("Передача закона"). Иногда логика развития художественного повествования подразумевает поступательное движение от одного края саркофага к другому. В этом случае "алтарные" сюжеты можно видеть с одной стороны (например, "Жертвоприношение Авраама" в (верхнем) левом поле), а "входные" - с противоположной ( (нижнее) правое поле). Например, можно заметить, что "Источение Моисеем воды из скалы" почти всегда бывает помещено на периферии (крайний нижний или угловой участки). Такое положение данной композиции (в паре с "Исцелением кровоточивой") позволяет сопоставить ее с "входными" росписями, наделенными крещальной символикой.

Глава 2. Основные направления раннехристианского искусства древнего Рима

 

2.1 Архитектура

Композиция характерного римского городского ансамбля - форма несет на себе следы влияния композиций греческой агоры и народного жилища.

Преобладающим типом развитого жилого дома был атриумно-перистильный. Обычно он размещался на удлиненном участке, отгороженном от улиц глухими наружными стенами. Переднюю часть дома занимал атриум - замкнутое помещение, по сторонам которого располагались жилые комнаты и подсобные помещения. В центре атриума находился бассейн, над которым в кровле оставлялась открытая часть для освещения и стока воды в бассейн. За атриумом через таблинум шел перистиль с садом внутри. Вся композиция развивалась в глубину по оси с последовательным раскрытием основных пространств.

В римских форумах получила отражение та же идея замкнутой осевой композиции - ордерного перистиля, но увеличенного до размеров городской площади. В начальный период форумы обычно служили рынками и по их периметру к галереям примыкали лавки, а иногда и другие общественные здания. С течением времени они превратились в парадные площади для общественных собраний, торжественных церемоний, культовых действий и т.д.

Идейным и композиционным центром стал храм, расположенный в середине узкой стороны прямоугольной площади на ее главной оси. Возвышаясь на подиуме, он доминировал в композиции. В плане храм имел форму прямоугольника, к которому пристраивался портик. Подобная композиция храма была в Риме традиционной и уходила своими истоками к древнейшим типам храмов этрусско-архаического периода. В композиции форума фронтальное построение храма подчеркивало его глубинно-осевую структуру, а богатый портик (композитного, коринфского, реже ионического ордера) акцентировал вход в храм. Начиная с республиканского периода в Риме было последовательно возведено несколько форумов. Позднее императоры трактовали форум как монумент собственной славы.

По своему великолепию, роскоши, величине и сложности композиции выделяется форум императора Траяна (архитектор Аполлодор Дамасский, 112-117 гг.). Помимо основной площади и храма на нем были возведены пятипролетный удлиненный зал - базилика площадью 55х159 м и два симметричных здания библиотек, между которыми на небольшой площади была воздвигнута мемориальная колонна Траяна высотой 38 м. Ее мраморный ствол покрыт спиральной лентой барельефа с 2500 фигурами, изображающего эпизоды победных походов Траяна. Триумфальная арка служит парадным входом, статуя императора установлена в центре площади, храм - в ее глубине. Выполненные из мрамора колоннады и портики, имевшие различные и подчас огромные размеры, являлись основным мотивом ансамбля.

Строившиеся в комплексе с форумами и на главных дорогах триумфальные арки - один из наиболее распространенных в Риме типов мемориальных сооружений. Примерами являются арка Тита (70-е годы), арка Константина (IV в), где монументальный массив одет в богатый декоративный убор с раскрепованным ордером. [6]

Арка Константина, поставленная около Колизея, превосходит другие не только своими размерами (21,5 м высотой, 25 м шириной), но и обилием украшений. Некоторые детали (например, круглые и прямоугольные рельефы, фигуры и др.) взяты с архитектурных памятников более раннего времени, что в архитектуре позднего Рима было распространенным явлением. Пластическое богатство и крупные размеры сооружения призваны убедительно выразить идеи могущества императора, властвующего как в самом Риме, так и в обширных имперских колониях.

Арочные и сводчатые формы первоначально получили широкое распространение в утилитарных сооружениях - мостах и акведуках. Городские водопроводы - акведуки - занимали особое место в благоустройстве городов, рост которых требовал все большего количества воды. Подававшаяся из холмистых окрестностей в городские резервуары вода протекала по каменным, оштукатуренным гидравлическим раствором, каналам (лоткам), которые в низменных местах и на пересечениях рек или оврагов поддерживались арочными конструкциями. Величественные аркады мостов и акведуков уже в республиканский период определили тип сооружений. Характерны для этих типов сооружений; акведук Марция в Риме, 144 г. до н.э. и др.

Некоторые из них поднялись до уровня лучших образцов римского зодчества не только в техническом, но и в архитектурно-художественном отношении. К ним следует отнести мост Траяна в Алькантре в Испании (98-106 гг. н. э) и акведук в г. Ниме во Франции (II в. н. э), пересекающий р. Гард, и др.

Протяженность Гардского моста-акведука 275 м. Он состоит из трех ярусов арочных устоев общей высотой 49 м. Пролет наибольшей арки составляет огромную для того времени величину - 24,5 м. Устои и арки сложены насухо из точно притесанных камней. Аркада отличается простотой форм и гармонией соотношений, ясностью тектоники, крупностью масштаба, выразительной фактурой. Монументально-изысканная красота композиции достигнута исключительно при помощи конструктивных форм.

С огромным размахом шло в Риме дворцовое строительство. Особенно выделялся императорский дворец на Палатине, состоящий из собственно дворца для парадных приемов и жилища императора. Парадные помещения располагались вокруг обширного перистильного двора. Главное помещение - тронный зал - поражало своими размерами. Зал перекрывался цилиндрическим сводом пролетом 29,3 м, который возвышался над уровнем пола на 43-44 м. Основные помещения жилой части также группировались вокруг перистилей на террасах холмов, используя приемы строительства вилл. Строительство вилл также приобрело в Риме широкие масштабы. Помимо крупных дворцовых комплексов в них осуществлены с наибольшей широтой принципы садово-парковой архитектуры, которые интенсивно развивались с I веке до н.э. (вилла Адриана в Тибуре, первая пол. II века и др.). [7]

Наиболее грандиозные общественные здания Рима, осуществленные в императорский период, связаны с развитием арочно-сводчатых бетонных конструкций.

Римские театры основывались на греческих традициях, но в отличие от греческих театров, зрительские места которых располагались на естественных склонах гор, представляли собой отдельно стоящие здания со сложной субструкцией, поддерживающей места для зрителей, с радиальными стенами, столбами и лестницами и проходами внутри основного полукруглого в плане объема (театр Марцелла в Риме, II в. до н.э., вмещавший около 13 тыс. зрителей, и др.).

Колизей (Коллосей) (75-80 гг. н. э) - крупнейший амфитеатр Рима, предназначавшийся для боев гладиаторов и других состязаний. Эллиптический в плане (размеры в главных осях около 156х188 м) и грандиозный по высоте (48,5 м), он вмещал до 50 тыс. зрителей. В плане сооружение расчленено поперечными и кольцевыми проходами. Между тремя внешними рядами столбов была устроена система главных распределительных галерей. Система лестниц связывала галереи с равномерно расположенными в воронке амфитеатра выходами и наружными входами в здание, устроенными по всему периметру.

Конструктивную основу составляют 80 радиально направленных стен и столбов, несущих своды перекрытий. Наружная стена сложена из травертиновых квадров; в верхней части она состоит из двух слоев: внутреннего из бетона и внешнего из травертина. Для облицовочных и прочих декоративных работ широко использовался мрамор и стук. [8]

С большим пониманием свойств и работы материала зодчие сочетали различные породы камня и составы бетона. В элементах, испытывающих наибольшие напряжения (в столбах, продольных арках и пр), применен самый прочный материал - травертин; радиальные стены из туфа облицованы кирпичом и частично разгружены кирпичными арками; наклонный бетонный свод в целях облегчения веса имеет в качестве заполнителя легкую пемзу. Кирпичные арки различной конструкции пронизывают толщу бетона как в сводах, так и в радиальных стенах. "Каркасная" структура Колизея была функционально целесообразной, обеспечила освещение внутренних галерей, проходов и лестниц, экономна по затрате материалов.

Колизей дает также первый известный в истории пример смелого решения тентовых конструкций в виде периодически устраиваемого покрытия. На стене четвертого яруса сохранились кронштейны, служившие опорами для стержней, к которым с помощью канатов крепился гигантский шелковый тент, защищавший зрителей от палящих лучей солнца.

Внешний облик Колизея монументален благодаря огромным размерам и единству пластической разработки стены в виде многоярусной ордерной аркады. Система ордеров придает композиции масштабность и наряду с этим особый характер взаимосвязи пластики со стеной. Вместе с тем фасады несколько сухи, пропорции тяжеловесны. Применение ордерной аркады внесло в композицию тектоническую двойственность: многоярусная, завершенная в себе ордерная система служит здесь исключительно декоративно-пластическим целям, создавая лишь иллюзорное впечатление ордерной каркасности здания, зрительно облегчающей его массив. [9]

Римские термы - сложные комплексы многочисленных помещений и дворов, предназначавшихся для омовения и различных занятий, связанных с отдыхом и развлечениями (помещения и открытые площадки для спортивных упражнений, залы для собраний, помещения для игр и бесед и т.п.). Основу композиции составляли залы для омовения с постепенным переходом из холодного помещения (фригидария) в теплое (тепидарий) и затем в помещение с самой высокой температурой (кальдарий), содержащее в центре бассейн горячей воды. Расположенные по главной оси залы достигали огромных размеров, поскольку крупные термы были рассчитаны на широкие массы плебса.

Все залы и комнаты обогревались теплым воздухом, поступавшим по специальным каналам, которые устраивались под полом и в стенах зданий.

В Риме было построено 11 крупных императорских терм и около 800 небольших частных терм. Наиболее известны термы Каракаллы (206-216 гг.) и термы Диоклетиана (306 г). Главное здание терм порою достигало огромных размеров (термы Каракаллы-216х120 м). Окруженное садами, площадками для отдыха и развлечений, оно вместе с последними занимало значительную площадь (термы Каракаллы - 363х535 м).

Технической основой появления столь грандиозных сооружений явился накопленный опыт в создании смелых конструктивных форм - сводов и куполов из бетона. В термах эти формы пространственно взаимодействуют друг с другом, образуя сложную структуру. Уменьшив до минимума "инертную" массу конструкций, зодчие экономно и целесообразно распределяли усилия. Придавая конструкциям различную форму, они максимально использовали возможности взаимного погашения горизонтальных усилий самими сводами. Так, перекрытие центрального зала обычно представляло собой три смежных крестовых свода пролетом до 25 м, опиравшихся на поперечные устои, между которыми были перекинуты цилиндрические своды.

Большие и малые залы, соединяясь в анфилады, создавали сложный интерьер, поражавший блеском и роскошью отделки, обилием света и воздуха. Важное значение в интерьере придавалось декоративно трактованным ордерным элементам и членениям. С помощью ордера и пластической разработки поверхностей сводов создавался зрительный эффект легкости конструкции, подчеркивалась идея пространственности интерьера. (Термы Каракаллы в Риме, 206-216 гг. Реконструкция интерьера)

Один из центральных залов терм часто делался круглой формы с купольным покрытием. Его размеры достигали больших величин: диаметр кальдария терм Каракаллы - 34 м. Развитие купольных конструкций в термах способствовало возникновению композиции типа ротонды, в которой купольная форма стала доминирующей.

Пантеон в Риме (около 125 г) - наиболее совершенный образец грандиозного храма-ротонды, в которой диаметр купола достиг 43,2 м. В Пантеоне блестяще разрешены конструктивные и художественные задачи создания крупнейшего в Риме (непревзойденного до XX в) большепролетного купольного пространства.

Сферический свод выполнен горизонтальными слоями бетона и рядами обожженного кирпича, представляя собой монолитную, лишенную каркаса массу. Для облегчения веса купол постепенно уменьшается по толщине к вершине, а в состав бетона вводится легкий заполнитель - пемзовый щебень. Купол опирается на стену толщиной 6 м. Фундамент - бетонный с заполнителем из травертина. По мере возвышения стены травертин сменяется более легким туфом, а в верхней части - кирпичным щебнем. Заполнителем нижней зоны купола также служит кирпичный щебень. Таким образом, в конструкции Пантеона последовательно проведена система облегчения веса заполнителя бетона.

Система разгрузочных кирпичных арок в толще бетона равномерно распределяет усилия купола на устои и разгружает стену над нишами, уменьшая нагрузки на колонны. Многоярусная система арок с четко проведенной субординацией главных и второстепенных частей позволила рационально распределить усилия в конструкции, освободив ее от инертной массы. Она способствовала сохранению постройки несмотря на землетрясения.

Художественный строй здания определяется конструктивной формой: мощным купольным объемом снаружи, единым и целостным пространством внутри. Центричный объем ротонды снаружи трактован как осевая фронтальная композиция. Перед величественным восьмиколонным портиком коринфского ордера (высота колонн 14 м) ранее существовал прямоугольный двор с торжественным входом и триумфальной аркой по типу форума. Развитое пространство под портиком с четырьмя рядами промежуточных колонн как бы подготавливает посетителя к восприятию огромного пространства интерьера.

Купол, в вершине которого оставлен круглый световой проем диаметром 9 м, доминирует в интерьере. Пять рядов убывающих кверху кессонов создают впечатление купольного "каркаса", зрительно облегчающего массив. В то же время они придают куполу пластичность и соразмерный с членениями интерьера масштаб. Ордер нижнего яруса, акцентирующий глубокие ниши, эффектно чередуется с облицованными мрамором массивными опорами.

Промежуточная между ордером и куполом полоса аттика мелким масштабом членении контрастно подчеркивает формы купола и основного ордера. Выразительная тектоника композиции сочетается с эффектом льющегося сверху рассеянного освещения и тонкими цветовыми нюансами, создаваемыми мрамором облицовки. Богатый празднично величественный интерьер составляет контраст с внешним видом Пантеона, где господствует простота монументального объема.

Важное место в строительстве занимали крытые залы - базилики, служившие для различного рода собраний и заседаний трибунала. Это вытянутые в плане прямоугольные здания, внутри разделенные рядами опор на удлиненные пространства - нефы. Средний неф делался шире и выше боковых, освещался через проемы в верхней части стен.

Трехнефная базилика Константина (312 г) - одна из крупнейших базилик Рима. Средний неф шириной 23,5 м, длиной 80 м и высотой 35 м был перекрыт тремя крестовыми сводами. Боковые нефы перекрывались поперечно направленными цилиндрическими сводами, опиравшимися на мощные арочные устои, служившие опорой и сводов среднего нефа. Распор крестовых сводов погашался этими же опорами, которые были частично выведены над боковыми нефами наружу. В продольных стенах среднего нефа выше сводов боковых частей были устроены арочные проемы освещения. Как и в других крупнейших сооружениях Рима (термы, Пантеон и др.), основное внимание в базилике Константина уделено созданию больших внутренних пространств. Богато разработанному интерьеру, который по композиции и отделке был схож с интерьерами терм, противопоставлен простой и лаконичный внешний облик здания.

В IV в. с принятием Римом христианства на основе базилики начали развиваться новые типы культовых зданий-базиликальные церкви. Христианская базилика получила особенно широкое распространение в культовом строительстве западного средневековья.

 

2.2 Скульптура

Спор по поводу того, существует ли такое понятие как "римский стиль", по вполне понятной причине в основном касается именно скульптуры. Даже, если не учитывать массовый ввоз и копирование греческих оригиналов, репутация римских мастеров как имитаторов представляется оправданной, так как большое число работ, скорее всего являются переделками и вариантами греческих образцов всех периодов развития скульптуры. Спрос на скульптуру в Риме был огромным, и это отчасти диктовалось любовью римлян к старине, отчасти желанием как можно пышнее украсить интерьеры. Вместе с тем, без сомнения, некоторым видам скульптуры отводились в Древнем Риме важные и серьезные функции. Именно эти виды скульптуры и получили наибольшее развитие в римском искусстве. Самыми интересными и примечательными из них стали скульптурный портрет и повествующий рельеф, - жанры, имеющие глубокие корни в жизни римского общества.

Скульптурный портрет. Из литературных источников Древнего Рима мы знаем, что со времен ранней республики наиболее прославленных политических и военных деятелей увековечивали, воздвигая им статуи в общественных местах. Эта традиция продолжалась около тысячи лет, до конца существования Римской империи. К сожалению, первые четыреста лет являются для нас закрытой книгой: на сегодняшний день не известно ни одного скульптурного портрета, который можно было бы датировать более ранним временем, чем I в. до н.э. Вполне возможно, что монументальный и ярко выраженный римский стиль скульптурного портрета сложился только со времен Суллы, к которым относится также и становление римской архитектуры.

Скульптурный портрет произошел от очень древнего патриархального римского обычая: после смерти главы семьи с его лица снималась восковая маска, хранившаяся затем в особом шкафу, - своего рода семейном алтаре. Эти маски предков несли во время похоронной процессии. Такое почитание предков восходит к обычаям первобытного общества. В патрицианских семьях даже периода империи продолжали неуклонно придерживаться этих же традиций. Возможно, стремление патрициев воспроизвести недолговечные восковые изображения в мраморе и затем выставить их для всеобщего обозрения объясняется желанием обратить внимание на древность рода и тем самым упрочить свое ведущее положение в обществе. [10]

Скульптурные портреты предков. Имело значение лишь лицо изображенного человека, а не творческий почерк мастера. Поэтому наиболее характерными чертами римских портретов стали холодная и прозрачная "фотографичность". Так и хочется сказать, что в этих работах отсутствует вдохновение - не в осуждение, а чтобы отметить основное отличие римского мастера по сравнению с греческими или даже этрусскими портретистами. Такая серьезность была намеренной и считалась достоинством.

Если эллинистический портрет впечатляет тонким психологизмом проникновения скульптора во внутренний мир модели, то римский с первого взгляда поражает отсутствием чего бы то ни было кроме тщательного воспроизведения черт лица; по существу, характер изображенного человека проступает непреднамеренно. Но это только кажется: черты лица действительно переданы достоверно, но скульптор придал им свойства, типичные для личности истинного римлянина: жестокость, грубоватость, железная воля и чувство долга. Этот бюст создает впечатление пугающей властности, и черты тщательно проработанного портретного сходства подобны конкретным фактам биографии.

Статуя Августа из Примапорты. По мере приближения к эпохе принципата Октавиана Августа (27 г. до н.э. - 14 г. н. э) в древнеримских скульптурных портретах все более явно прослеживается новое направление. Его отличительные черты наиболее полно проявились в великолепной статуе Августа из Примапорты. При беглом взгляде на нее нельзя сказать с уверенностью, бог это или человек. И это понятно: скульптор явно хотел одновременно изобразить и того и другого. Здесь, в Древнем Риме, мы вновь встречаемся с существовавшей еще в древности в Египте и на Ближнем Востоке, концепцией обожествленного правителя. Она проникла в греческую культуру в IV в. до н.э.; таким обожествленным правителем стал Александр Македонский, а затем его последователи. От них эта традиция перешла к Юлию Цезарю и другим римским императорам.

Идея привнести в облик императора сверхчеловеческие черты и посредством этого повысить его авторитет прижилась и стала официальной политикой. Правда, при Августе она еще не знала таких крайностей, как при последующих императорах, и все же в статуе из Примапорты очевидно желание придать облику Августа божественный вид. Однако, несмотря на то, что статуя изображает идеализированного героя, в ней безошибочно угадывается римское происхождение. Одежда - в том числе нагрудный доспех с изображенной на нем аллегорической сценой - реалистично воспроизводит текстуру поверхности, удивительно точно передавая впечатление ткани, кожи, металла. Черты лица тоже подверглись идеализации или, лучше сказать, "эллинизации". Незначительные физиономические подробности притушеваны, внимание сосредоточено на глазах, что делает взгляд "вдохновенным". Вместе с тем, имеет место явное портретное сходство, возвышенное не подавляет индивидуального. Это становится особенно очевидным при сравнении с другими бесчисленными скульптурными портретами Августа. Возможно, эта статуя, найденная на вилле жены Августа, создавалась в соответствии с его личными указаниями. Она отличается высоким художественным уровнем исполнения, редко встречающимся в портретах правителей, которые создавались в условиях массового производства. [11]

Древний Рим дал огромное количество скульптурных портретов самых различных типов и стилей; их разнообразие отражает сложный и многогранный характер римского общества. Если считать одним полюсом этого многообразия восходящую к временам республики традицию изображений предков, а другим - вдохновленную эллинистическим искусством статую Августа из Примапорты, мы сможем найти между ними бесчисленные варианты их сочетания и взаимопроникновения. Так, Август соблюдал древний римский обычай и был всегда чисто выбрит. Впоследствии же римские императоры восприняли греческую моду и стали носить бороду, выражая тем самым свое преклонение перед эллинистическими традициями. Таким образом, когда в скульптуре второго века нашей эры мы встречаем сильное стремление приблизиться к классическим образцам, часто носящее холодный, формальный характер, то это нас не удивляет. Это направление особенно усиливается во времена правления Адриана и Марка Аврелия, которые в качестве частных лиц проявляли глубокий интерес к греческой философии.

Конные статуи. Такая тенденция ощутима в статуе, изображающей Марка Аврелия на коне, которая примечательна не только как единственный из дошедших до нас конных памятников императорам, но и как одна из немногих древнеримских статуй, остававшихся доступными для всеобщего обозрения на протяжении всего средневековья. Традиция придавать восседавшему на коне императору образ непобедимого владыки мира укоренилась еще со времен Юлия Цезаря, когда он дозволил воздвигнуть себе подобный памятник на Юлианском форуме. Марк Аврелий тоже хотел выглядеть победоносным - под правым передним копытом его коня когда-то находилась скорчившаяся фигурка варварского вождя. В высшей степени одухотворенный образ могучего коня передает ратный дух, но сама фигура императора, лишенная доспехов и вооружения, выражает стоическую отрешенность. Это скорей образ миротворца, а не военного героя. Таким и был взгляд этого императора на самого себя и на свое правление (161 - 180 г. до н. э).

Портретные бюсты. Правление Марка Аврелия было затишьем, случающимся перед бурей. Третий век застал Римскую империю в состоянии почти постоянного кризиса, продлившегося целое столетие. Варвары угрожали ее широко раздвинувшимся границам, а внутренние проблемы и конфликты подрывали авторитет императорской власти. Удержать ее стало возможно только при помощи откровенной силы, приобретение императорского титула посредством убийства вошло в привычку. Так называемые "солдатские императоры" - наемники из дальних провинций империи, захватившие власть благодаря поддержке расквартированных там легионов, сменяли один другого через короткие промежутки времени.

Бюсты некоторых из них, такие как портрет Филиппа Аравитянина, правившего с 244 по 249 г., принадлежат к наиболее сильным произведениям в этом жанре искусства. Реализм в духе портретов эпохи республики, с которым они воспроизводят черты изображаемого человека, не знает компромиссов, но скульптор ставит перед собой задачу более сложную, чем просто передать портретное сходство: все темные страсти человеческой души - страх, подозрительность, жестокость - внезапно находят здесь свое воплощение с почти невероятною прямотой. В чертах Филиппа отразилась вся жестокость его времени, но каким-то странным образом он вызывает в нас жалость: в его облике присутствует какая-то психологическая обнаженность, в результате чего перед нами предстает существо жестокое, но загнанное в угол и обреченное.

Результат напоминает нам о бюсте с острова Делос. Отметим, однако, новизну пластических средств, с помощью которых достигается столь сильное воздействие этого римского портрета на зрителя. Прежде всего, нас поражает выразительность глаз. Создается впечатление, что взор прикован к чему-то не видимому нами, но представляющему угрозу. Вырезанные очертания радужной оболочки глаз и обозначенные углублениями зрачки - приемы, не применявшиеся в более ранних портретах - позволяют показать направление взгляда. Волосы тоже переданы средствами, противоречащими классическим канонам, и напоминают плотно прилегающий к голове чепец с поверхностью, передающей их текстуру. Лицу специально придан небритый вид: его поверхность в области нижней челюсти и вокруг губ сделана шероховатой с помощью коротких следов резца.

Как мы видим, агония древнеримского мира носила и духовный, и физический характер. По тем же двум направлениям должно было идти и возвеличивание его новой славы согласно замыслу Константина Великого, обновителя империи, ее первого правителя-христианина. То, что мы видим, не просто бюст, это один из нескольких сохранившихся фрагментов гигантской (только голова имеет в высоту 2,44 м) статуи, которая когда-то находилась в огромной базилике Константина. В этой голове все настолько нарушает обычные пропорции, что она подавляет зрителя своей величественностью. Задачей скульптора было создать впечатление некоей превосходящей все мыслимые масштабы мощи, что подчеркивается массивными, неподвижными чертами лица; особенно впечатляет пристальный гипнотический взгляд огромных лучистых глаз. Это изображение в сущности говорит не столько о том, как выглядел Константин на самом деле, сколько о том, как он воспринимал себя сам и каким был для его восторженных подданных. [12]

 

2.3 Живопись

Изобразительное искусство эпохи империи не ограничивалось портретом. Ее правители стремились увековечить свои деяния с помощью рельефов, содержание которых носило повествовательный характер и которыми украшались монументальные алтари, триумфальные арки и колонны. Подобные изображения знакомы нам по древним культурам Ближнего Востока, но не Древней Греции. Исторические события - то есть события, произошедшие в определенном месте и в определенное время, - не интересовали скульпторов Греции классического периода. Если требовалось увековечить победу над персами, это делалось не напрямую, а изображалась битва лапифов с кентаврами либо греков и амазонок - мифологическое событие без пространственно-временных связей с реальностью. Даже в эллинистическую эпоху эта тенденция была преобладающей, хотя уже не абсолютно. Когда цари Пергама хотели увековечить свои победы над галлатами, последние были изображены как таковые, но в типичных позах, означающих поражение и не характерных для настоящей битвы.

Греческим художникам, однако, все же случалось, создавать произведения, посвященные историческим событиям. Мозаичная картина из Помпеи, изображающая "Битву при Иссе", по-видимому, воспроизводит созданную около 315 г. до н.э. знаменитую работу греческого мастера, изображающую победу Александра Македонского над персидским царем Дарием. Начиная с Ш в. до н.э. и в Риме начали создаваться картины, отражающие его историю. Выполненные на дереве, они играли роль своего рода плакатов, пропагандирующих триумфы того или иного героя. Однако уже в последние годы республики такие недолговечные средства отображения происходивших событий стали уступать место более "солидным" и монументальным формам: вырезанные из камня рельефы украшали сооружения, которые должны были просуществовать целую вечность. Таким образом, они являлись подходящим средством прославления императоров, и те стремились использовать его как можно шире.

Арка Тита. Вершиной искусства рельефа в Древнем Риме являются две большие панели, повествующие о деяниях императора Тита и украшающие триумфальную арку, воздвигнутую в 81 г. н.э., чтобы увековечить его победы. На одной из них показана часть триумфальной процессии в честь завоевания Иерусалима. В число изображенных трофеев входят семисвечник и другие священные предметы. Несмотря на большой объем работы скульптору с удивительным успехом удалось передать движение многолюдной толпы. В правом углу рельефа процессия поворачивает и, удаляясь от нас, проходит через триумфальную арку. Она как бы исчезает в ней: арка размещена под углом, так что мы видим только ближнюю ее часть с входом - радикальный, но эффективный прием.

Колонна Траяна. Задачи, стоявшие перед изобразительным искусством эпохи империи, зачастую были несовместимы с реалистической трактовкой пространства. Воздвигнутая в 106 - 113 гг. н.э. в память победоносных походов императора против даков, населявших в древности территорию Румынии, колонна Траяна обвита сплошной лентой рельефа, образующего фриз, композиция которого с точки зрения количества фигур и "плотности" повествования превосходит все созданное к тому времени.

При этом большая часть труда резчиков оказывается "напрасной", ибо зрители - согласно удачному высказыванию одного из ученых - "должны бегать кругами наподобие цирковой лошади", чтобы следовать разворачивающемуся повествованию, и едва ли могут что-нибудь рассмотреть выше четвертого или пятого витка без бинокля. Спиральный фриз был новой и ко многому обязывающей формой исторического повествования, требовавшей от скульптора решения многих трудных задач. Ввиду отсутствия поясняющих надписей изображению следовало быть самодостаточным, то есть максимально понятным; это значит, пространственное оформление каждого эпизода тщательно продумывалось. Внешняя непрерывность изображения должна была сочетаться с внутренней целостностью отдельных сцен. [13]

При этом глубину собственно резьбы требовалось уменьшить по сравнению с такими рельефами, как те, что украшали арку Гита, ибо в таком случае тени, отбрасываемые выступающими деталями, сделали бы изображение "нечитаемым" для находящегося внизу зрителя. Скульптору удалось блестяще решить все эти задачи, однако за счет того, что он почти полностью пожертвовал впечатлением глубины пространства. Ему пришлось свести пейзаж и архитектуру к упрощенным декорациям и увеличить угол наклона поверхности, на которой стоят фигуры, как бы приподняв ее. Те сцены, которые видны на иллюстрации, служат прекрасным примером изображения исторических событий на колонне. Сражения среди более чем ста пятидесяти отдельных эпизодов показаны редко; вместе с тем большое внимание уделено политическим и географическим аспектам войны с даками и тыловому обеспечению войск. Это сближает содержание фриза со знаменитыми "Записками о Галльской войне" Юлия Цезаря.

2.4 Литература

История римской литературы V-I вв. до н.э. распадается на два периода. До середины III в. до н.э. безусловно доминировала устная народная словесность: заговоры и заклинания, трудовые и бытовые (свадебные, застольные, погребальные) песни, религиозные гимны (гимн Арвальских братьев), фесценнины (песни шуточного и пародийного характера), сатуры (импровизированные сценки, прообраз народной драмы), ателланы (сатирические фарсы с постоянными персонажами-масками: дурак-обжора, дурак-хвастун, старик-скряга, псевдоученый-шарлатан).

Рождение письменной литературы связано с возникновением латинского алфавита, ведущего свое происхождение либо от этрусского, либо от западно-греческого; он насчитывал двадцать один знак. Самыми ранними памятниками латинской письменности были анналы понтификов (погодные записи основных событий), пророчества государственного и частного характера, международные договоры, похоронные речи или надписи в домах усопших, родословные списки, юридические документы. Первый дошедший до нас текст - законы Двенадцати таблиц 451-450 до н.э.; первый известный нам писатель - Аппий Клавдий (конец IV - начало III вв. до н. э), автор нескольких юридических трактатов и сборника поэтических сентенций.

С середины III в. до н.э. римская литература стала испытывать сильное влияние греческой. Большую роль в культурной эллинизации сыграл в первой половине II в. до н.э. кружок Сципионов; однако она столкнулась и с сильным противодействием защитников старины (группа Катона Старшего); особое неприятие вызвала греческая философия.

Рождение основных жанров римской литературы было связано с подражанием греческим и эллинистическим образцам. Произведения первого римского драматурга Ливия Андроника (ок.280-207 до н.э.) представляли собой переделку греческих трагедий V в. до н.э., как и большинство сочинений его последователей Гнея Невия (ок.270-201 до н.э.) и Квинта Энния (239-169 до н. э). В то же время Гнею Невию принадлежит заслуга создания римской национальной драмы - претексты (Ромул, Кластидия); его дело продолжили Энний (Похищение сабинянок) и Акций (170 - ок.85 до н.э.), полностью отказавшийся от мифологических сюжетов (Брут).

Андроник и Невий считаются также первыми римскими комедиографами, создавшими жанр паллеаты (латинская комедия на греческий сюжет); Невий брал материал из староаттических комедий, но дополнял его римскими реалиями. Расцвет паллеаты связан с творчеством Плавта (середина III в. - 184 до н.э.) и Теренция (ок. 195-159 до н.э.), ориентировавшихся уже на новоаттическую комедию, особенно на Менандра; они активно разрабатывали бытовую тематику (конфликты отцов и детей, влюбленных и сводников, должников и ростовщиков, проблемы воспитания и отношения к женщине).

Во второй половине II в. до н.э. родилась римская национальная комедия (тогата); у ее истоков стоял Афраний; в первой половине I в. до н.э. в этом жанре творили Титиний и Атта; они изображали жизнь низов и высмеивали падение нравов. В конце II в. до н.э. литературную форму получила и ателлана (Помпоний, Новий); теперь ее стали играть после исполнения трагедии для развлечения зрителей; нередко она пародировала мифологические сюжеты; особое значение в ней приобрела маска старого богатого скряги, жаждущего должностей. Тогда же благодаря Луцилию (180-102 до н.э.) сатура превратилась в особый литературный жанр - сатирический диалог.

Под влиянием Гомера во второй половине III вв. до н.э. появляются первые римские эпические поэмы, повествующие об истории Рима от его основания до конца III в. до н.э., - Пуническая война Невия и Анналы Энния. В I в. до н.э. Лукреций Кар (95-55 до н. э) создает философскую поэму О природе вещей, в которой излагает и развивает атомистическую концепцию Эпикура.

В начале I в. до н.э. возникла римская лирическая поэзия, на которую большое воздействие оказала александрийская поэтическая школа. Римские поэты-неотерики (Валерий Катон, Лициний Кальв, Валерий Катулл) стремились проникнуть в интимные переживания человека и исповедовали культ формы; их излюбленными жанрами были мифологический эпиллий (небольшая поэма), элегия и эпиграмма. Самый выдающийся поэт-неотерик Катулл (87 - ок.54 до н. э) внес вклад и в развитие римской гражданской лирики (эпиграммы против Цезаря и Помпея); благодаря ему римская эпиграмма оформилась как жанр.

Первые прозаические произведения на латинском языке принадлежат Катону Старшему (234-149 до н. э), родоначальнику римской историографии (Истоки) и римской агрономической науки (О сельском хозяйстве). Подлинный расцвет латинской прозы относится к I в. до н.э. Лучшими образцами исторической прозы являются сочинения Юлия Цезаря - Записки о Галльской войне и Записки о гражданской войне - и Саллюстия Криспа (86 - ок.35 до н. э) - Заговор Катилины, Югуртинская война и История. Научная проза I в. до н.э. представлена Теренцием Варроном (116-27 до н. э), автором энциклопедии Человеческие и божественные древности, историко-филологических сочинений О латинском языке, О грамматике, О комедиях Плавта и трактата О сельском хозяйстве, и Витрувием (вторая половина I в. до н. э), создателем трактата Об архитектуре.

I в. до н.э. является золотым веком римской ораторской прозы, развивавшейся в рамках двух направлений - азианского (цветистый слог, изобилие афоризмов, метрическая организация периодов) и аттического (сжатый и простой язык); к первому принадлежал Гортензий Гортал, ко второму - Юлий Цезарь, Лициний Кальв и Марк Юний Брут. Своего пика она достигла в судебных и политических речах Цицерона, который оригинально сочетал азианскую и аттическую манеры; Цицерон также внес значительный вклад в разработку теории римского красноречия (Об ораторе, Брут, Оратор).

Заключение

http://www.liveinternet.ru/clickИз всех цивилизаций древнего мира римская известна нам лучше других. Римляне оставили обширное литературное наследие, позволяющее проследить историю Древнего Рима во всем изобилии подробностей, которые не перестают нас восхищать. Но, как это ни парадоксально, труднее всего найти ответ на вопрос: "Что представляет собой искусство Древнего Рима?" Римский гений, столь явно распознаваемый в любой другой области человеческой деятельности, становится удивительно неуловимым, стоит нам задуматься над тем, существовал ли вообще стиль в искусстве, присущий именно Древнему Риму.

В чем тут причина? Наиболее очевидное объяснение кроется в том, что римляне преклонялись перед греческим искусством всех эпох и направлений. Они тысячами вывозили из Греции созданные там оригиналы и копировали их в еще большем количестве. Вдобавок то, что создавалось в самом Риме, было явным подражанием греческим образцам, а многие работавшие там скульпторы и художники, начиная со времен республики и заканчивая эпохой крушения империи, были греческого происхождения.

Однако если отвлечься от различий в тематике, то остается непреложным тот факт, что все произведения искусства, созданные в подражание греческим, ощутимо отличаются от последних, обладая явно выраженными "негреческими" чертами, предполагающими совершенно иные цели и задачи. Поэтому было бы правомерно оценивать искусство Древнего Рима в соответствии с критериями, применимыми для Древней Греции. Римская империя была в высшей степени сложным, неоднородным и открытым обществом, впитывавшим и переплавлявшим национальное и региональное в общеримское, являющееся одновременно и разнородным и единообразным. Черты римского искусства, свойственные именно Риму, скорее могут быть обнаружены в этом разностороннем его характере, нежели в единстве и последовательности художественной формы.

Список литературы

1.  Власов В.Г. Стили в искусстве. - СПб., 2007.

2.  Зарецкая Д.М., Смирнова В.В. Мировая художественная культура. - М., 2007.

3.  История культуры Древней Греции и Рима: пер. с пол. - М.: Высш. школа, 2006.

4.  Искусство стран и народов мира. Краткая художественная энциклопедия, Т.1. - М., 2007.

5.  История старого Рима / под ред.В.И. Кузищина. - М., 2007.

6.  Кобылика М.М. Искусство Древнего Рима. - М., 2009.

7.  Искусство стран и народов мира. Краткая художественная энциклопедия, Т.1. - М., 2007.

8.  Культурология / под ред.А.М. Марковой - М., 2008.

9.  Культура старого Рима / под ред. Е.С. Голубцовой. - М., 2006.

10. Соколов Г.И. Искусство Древнего Рима. - М., 2006.

11. Чубова А.П., Иванова А.П. Античная живопись. - М., 2006.

12. Чубова А.П. Искусство Европы 1-3 веков. - М., 2006.

[1] История культуры Древней Греции и Рима: пер. с пол. – М.: Высш. школа, 2006.-С.74.

[2] Кобылика М.М. Искусство Древнего Рима. - М., 2009.-С.26-28.

[3] Соколов Г.И. Искусство Древнего Рима. - М., 2006.-С.45-46.

[4] Зарецкая Д.М., Смирнова В.В. Мировая художественная  культура. – М., 2007. –С.37.

[5] История старого  Рима / под ред. В.И. Кузищина. - М., 2007.-С.38-40.

[6] Культурология  / под ред. А.М. Марковой – М., 2008.-С.51-52.

[7] Чубова А.П. Искусство Европы 1-3 веков. - М., 2006.-С.42.

[8] Власов В.Г. Стили в искусстве. - СПб., 2007.-С.27-29.

[9] Культура  старого Рима / под ред. Е.С.  Голубцовой. – М., 2006.-С.64.

[10] Искусство стран и народов мира. Краткая художественная энциклопедия, Т.1. - М., 2007.-С.126.

[11] Искусство стран и народов мира. Краткая художественная энциклопедия, Т.1. - М., 2007.-С.94-96.

[12] Кобылика М.М. Искусство Древнего Рима. - М., 2009.-С.65.

[13] Чубова А.П., Иванова А.П. Античная живопись. - М., 2006.-С.75-77.