Скульпура Генрі Мура

56  Скульпура Генрі Мура

Скульптура никогда не была ведущей в английском изобразительном искусстве. Но именно Англия породила крупнейшего мастера скульптуры XX столетия Генри Мура (1898—1986). Его творческий путь очень сложен и противоречив, он вмещает в себя работы самых разных направлений, от вполне реалистических (его рисунки, посвященные войне) до чистых абстракций (в основном в скульптуре). Образы Мура схематичны и отвлеченны. Но его чувство объема, пластичности формы, ощущение той меры напряженности, которую он сообщает выгнутым и вогнутым плоскостям, знание материала, безупречное чувство гармонической связи с природной средой придают этим образам истинную величавость и монументальность («Мать и дитя», 1943—1944, Хэмптон-Корт, собор св. Матфея; «Лежащая фигура» для здания ЮНЕСКО в Париже, 1957—1958; «Король и королева», камень, плато близ Демфриса, 1952—1953, и т. д..

Продолжил традицию монументальной фигуративной пластики и обогатил ее новыми художественными методами формообразования. В творчестве Мура прослеживается тенденция, направленная на освоение «открытой формы»; его целью была передача взаимодействия пластической массы и пространства, как окружающего скульптуру, так и заключенного внутри нее.

Мур родился 30 июля 1898 в Каслфорде (графство Йоркшир). После Первой мировой войны учился в Художественном колледже в Лидсе и Королевском художественном колледже в Лондоне, где преподавал с 1924 по 1932; он оставил работу в колледже лишь однажды для совершения поездки в Италию. Мур всегда интересовался скульптурой Древней Греции, этрусков и майя. Под влиянием этого увлечения, а также идеи «верности материалам», высказанной критиком Роджером Фраем, он обратился к созданию подчеркнуто материальных форм, символизирующих природное, земное начало. На их основе строятся его скульптуры, среди которых преобладают женские фигуры и композиции на тему семьи и материнства. Сначала его работы были достаточно близки к реальным объектам, позже приобрели абстрактный характер.

Персональная выставка Мура в Музее современного искусства в Нью-Йорке принесла ему славу одного из лучших мастеров 20 в. В 1948 на венецианской выставке Биеннале он получил международную премию, а в 1953 – такую же премию на Биеннале в Сан-Паулу. Среди его многочисленных произведений – скульптурные композиции для здания редакции журнала «Таймс» в Лондоне, для здания ЮНЕСКО в Париже, банка Ламберт в Брюсселе и Линкольновского центра в Нью-Йорке.

Поразительная художественная цельность его произведений не имеет аналогов в истории скульптуры. Формы плавно и органично перетекают друг в друга, иногда образуя углубления и зияющие пустоты, «дыры». Однако Мур никогда не занимался проблемами чистой формы, его интересовали образы, напоминавшие природные формы: древние камни, обтесанные стихиями за много веков; горные пещеры, вымытые подземными потоками; эмбрионы в материнском чреве; человеческое тело как целостная органическая система.

Художественный образ представлялся мастеру как бы изначально существующим в самом материале и лишь ожидающим, пока его освободит резец ваятеля. Мур создавал свои композиции из дерева, камня, бронзы, железобетона и терракоты, а также выполнил ряд произведений из дерева и свинца, части которых были скреплены туго натянутыми струнами или медной проволокой. В стиле его акварелей и рисунков пером получила воплощение повышенная восприимчивость мастера к реалиям окружающей действительности, но даже в композициях, выполненных в годы Второй мировой войны в лондонском метро во время налетов немецкой авиации, главное место отводится выявлению самых существенных, обобщенных форм человеческого тела, а эмоции и индивидуальность моделей играют второстепенную роль.Умер Мур в своем доме близ Мач-Хедхем (графство Хартфордшир) 31 августа 1986.

57  Колаж Р. Раушенберга

Роберт Раушенберг (Robert Milton Ernest Rauschenberg, 1925—2008) родился в Порт-Артуре (штат Техас). Внук немецкого иммигранта и индианки из племени чероки.

Его отец работал на местной электростанции; семья принадлежала к фундаменталистской секте. По окончании средней школы Раушенберг обучался фармакологии в Остине (штат Техас), но уже в первом семестре бросил учебу, не прельстившись препарированием лягушек. Во время второй мировой войны Раушенберг служил братом милосердия в одной из клиник для душевнобольных.

Учился в Художественном институте в Канзас-Сити, затем в Академии Жюлиана в Париже и в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине.

В 1953 Раушенберг выставил «Стертый рисунок Де Кунинга» — рисунок Виллема Де Кунинга, который Раушенберг стер. Он поднял вопрос о природе искусства, дав возможность зрителю решать, может ли стертая работа другого художника быть творческим актом, может ли быть эта работа искусством только потому, что он, Раушенберг, стер её.мОн, как и Пикассо в свое время, перепробовал все техники и стратегии актуального искусства: занимался реди-мейдами, коллажами, ассамбляжами, объектами, инсталляциями, иллюстрациями, перформансом, хореографией, шелкографией, фотографией, видео, театральными декорациями, керамикой, медиаартом, писал картины, фрески и даже музыку. Под влиянием дадаизма создавал коллажи и произведения так называемой «комбинированной живописи», в которых абстракция объединена с изображением предметов повседневного быта. Благодаря своему стремлению увязать жизнь с искусством Раушенберг стал одним из провозвестников американского поп-арта. Раушенберг был душой поп-артистской компании и легко находил общий язык с Джоном Кейджем, Мерсом Каннингемом и Тришей Браун. Даже с Андреем Вознесенским: в 1960-х в Нью-Йорке они вместе упражнялись в конкретной поэзии. В течение 1950-х в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов – газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных – до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность. Коллаж «Кровать» (1955) - настоящая кровать Раушенберга, забрызганная краской и поставленную вертикальноКоллаж «Кровать» (1955) - настоящая кровать Раушенберга, забрызганная краской и поставленную вертикально. В конце 50-х появились первые так называемые «переводные рисунки»: коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении. В замысел Раушенберга входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными элементами картин. Первый большой трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (парашютист, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х. В 1964 году Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Это решение жюри вызвало бурную реакцию — Ватикан высказался об «упадке культуры». В 1969 Раушенберг по приглашению НАСА посетил Центр космических исследований Кеннеди и создал после этого обширную серию из тридцати трех литографий под общим названием «Окаменевшая Луна». Еще через год он основал благотворительное учреждение для неимущих художников и организовал дом-мастерскую на острове Каптива неподалеку от побережья Флориды. В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования современного индустриального общества. В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов.Умер 12 мая 2008 на о.Каптива Айленд во Флориде (США)